全球藝評 Art Critic

雅頌合奏團

由王戰老師率領，於1996年創團至今，當時結合了台灣大學、政治大學等管樂社團、非音樂科系之音樂愛好者為主，以管樂團詮釋古典交響曲目為特色，因而在各大業餘管樂團裡獨樹一格；至今，許多當年的熱血學生已畢業投入各職場，每個星期依然要撥出一晚，大家齊聚一堂拾起樂器，面對音樂，每個人都是謙卑的學生，耐心地仔細地練習著，即使承載著一整天工作的煩悶與疲憊，從音樂所獲得的成就與感動反而是種心靈的慰藉。

面對巨人

這場音樂會的籌備源自去年六月，當首席會議以及指揮定下目標，以浪漫晚期經典交響曲、馬勒第一號交響曲為主要曲目，如此遠大的目標不但不好高騖遠，而面對這部重量級的作品還要以改編管樂曲的形式來詮釋，團員們莫不以虛心學習的心態看待，除了要克服自己演奏能力上的瓶頸，更要努力將職業樂手般精確的音樂性與音樂風格表現出來，這對全體團員來說，無疑是個極大的挑戰。

每週固定練習，共計約有25次的排練，投注於這次的演出，這在其他管樂團的經營方針裡，是特例也是前所未有。一般半職業樂團，一場節目的準備，平均需要約5至6次的練習即可上台表演，而雅頌這樣綿密不間斷的練習，除了考驗團員的耐心，指揮如何規劃每次練習進度也是個難題，而對於樂團行政來說，關心團員的出缺席狀況、信心喊話之餘又要積極督促，更是一項辛苦無酬的工作。

此外，雅頌合奏團原本編制並不大，為了馬勒，必須要擴編與另外招考新血，而新進的團員必須要加以整合，合奏的聲響才能夠融合成更具有深度、廣度的整體，因此雅頌有計畫地在這十個月中，安排了兩次的音樂會以及一次的室內樂音樂會，好讓團員更熟悉合奏的感覺，對彼此更有默契。

管弦樂團曲改編為管樂曲

許多管樂演奏者，初次接觸音樂並參與合奏時，多半以參加管樂團為主，也因為管樂器比起弦樂或鋼琴較容易入門，所以只要有木管銅管與打擊樂器，即可架構出音樂織度、演出各色各樣的管樂合奏曲。

在音樂發展史中，管樂團的產生遠比管弦樂團來得晚，而我們所熟悉的管樂曲也多半是二十世紀以降才大量產生，樂曲的風格以及種類也與管弦樂團不同，舉凡軍樂進行曲、慶典遊行曲、流行或民謠改編曲、電影配樂、音樂劇百老匯選粹，都是管樂團經常演奏的曲種。當然，比較學術性質、或偏向古典交響曲風的管樂曲，隨著管樂團的蓬勃發展而被譜寫，管樂團的雅俗共賞特性，仍是管樂團得以跳脫管弦樂團而蓬勃發展的主要原因之一。

然而，少了絃樂器家族，管樂團比起管弦樂團，在音響上總是少了點顏色或質地。而管弦樂團在古典音樂發展史中，精采的配器一直都是交響曲裡，使音樂變化無窮的奧秘之處。那麼，面對偉大的交響曲，管樂團是否也能夠提出相應的音樂深度，以專屬管樂團的配器方式，來重新詮釋這些西方音樂史中的經典巨作？這是許多管樂團經營者、指揮或樂手，在演出了無數管樂曲之後，面對古典音樂的所產生的問號；管弦樂團蓬勃發展出的交響精神，是否在管樂團內也能適用？這是個開放性的議題，好比目前所流行的跨界藝術展演，必須要精準拿捏，保持本質風格卻又不失之譁眾取寵。

穩健的步伐

演出當天，舞台上情緒是緊繃而蓄勢待發的，指揮卻選擇以寬鬆、穩定的姿態處理音樂，音樂的速度甚或比起平日練習還要緩和，彷彿將團員所累積的能量小心翼翼地擁抱住，但是卻又精準地牽引出音樂張力。任何表演者在舞台上的情緒就像兩面刃，適度的激昂可以投射到觀眾達成情緒渲染的效果，過度的激動有時卻會造成整體呈現的失衡、或是失誤；聚光燈下的場域，本來就有各種的不確定性夾雜其中，也許正因如此，指揮實則憑著多年的經驗以及將近一年的練習默契，選用了這樣的策略，使得團員們的緊張得以被安撫抑制，卻產生另一種安定的能量累積，當曲子逐漸步入澎湃高漲的段落，整個樂團才得以持續發光發熱，徹底發揮大編制才能綻放的輝煌與響亮，這是種敞開心胸的熱情與激昂，也是音樂最動人的時刻。

獨奏與合奏

筆者以團員的身分近距離觀察，團內許多的樂手們，並沒有太多時間像職業演奏者般，能把音樂演奏到完美無暇，卻都在能力之內，做好足夠的個人練習，在每次的團練中，透過指揮的引導與整合，用合奏的感覺來潤飾自己的演奏。這樣的過程，一直都是業餘比起職業，美好而令人嚮往的地方，因為透過這樣的程序，樂團合奏的價值可以被彰顯出來：獨奏，像是個人的風險承擔以達成音樂的分享，合奏卻多了樂手之間的組織與融合，風險被均分了，音樂卻多了豐富度以及空間感。更明白話地說，透過合奏，個人的演奏技術上的不足或未熟可以被修飾，但是音樂上的想法或是情緒悸動，卻可以被分享、提升、並且放大。這不單說明演奏者從合奏中獲得的好處，同時也解釋了觀眾在欣賞獨奏會或樂團合奏時，兩種截然不同的欣賞角度與品味方式。